Pinturas, es la exposición individual de Rogelio Polesello, artista que marcó la abstracción geométrica en Argentina desde mediados del siglo pasado. La muestra, dedicada a sus obras históricas, exhibe pinturas de gran relevancia, producidas por el artista en los años sesenta y principios de los años setenta.

Polesello se insertó dentro del desarrollo de la abstracción geométrica y óptica Argentina de un modo autónomo y original, demostrando una innata capacidad para experimentar con materiales y técnicas inéditas. Forma parte de la generación legendaria de artistas que pasaron por el mítico Instituto Di Tella en Buenos Aires en los años sesenta y que siendo joven ya había alcanzado gran reconocimiento internacional.

Rogelio Polesello (Buenos aires, 1939-2014). Se graduó como profesor de Grabado, Dibujo y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En 1959 realizó su primera exposición individual en la galería Peuser. A lo largo de su carrera ha trabajado distintas posibilidades de la abstracción geométrica en pintura, grabado y objetos acrílicos. Desde temprana edad realizó trabajos vinculados al diseño publicitario, actividad que lo llevó a participar de experiencias que trascienden el mundo de la plástica, e incluyen trabajos interdisciplinarios relacionados con la arquitectura, el diseño ambiental, el diseño textil, body painting e intervenciones en espacios públicos. Sus obras han sido expuestas en numerosos museos y galerías nacionales e internacionales. Entre sus exposiciones individuales se destacan la de la Unión Panamericana en Washington, 1961; Museo de Bellas Artes de Caracas, 1966 y 1968; Universidad de Mayagüez, Puerto Rico 1966 y 1971; Biblioteca Luis Ángel Arango del Bancode la República, Bogotá, 1967; Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, 1969; Center for Inter American Relations, New York, 1973; Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1973; Museo de Arte Moderno-Bosque de Chapultepec, México DF, 1973; Palais de Glace, 1995; Museo Nacional de Bellas Artes, 2000; Museo José Luis Cuevas, México DF, 2002; Centro Cultural Recoleta 2005 y Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2014, entre otras. Sus obras integran las colecciones del MOMA, Museum of Modern Art, New York; Guggenheim, New York; Art Museum of the Americas, Washington DC; Blanton Museum, Austin; Lowe Art Museum, Miami; Museo de Arte Moderno de Bogotá; Colección de Arte del Banco de la República, Bogotá; Museo de Bellas Artes de Caracas; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires y MACBA-Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

En su muestra individual, el artista, Cesar Paternosto transgrede los límites del espacio, a partir de un trabajo sobre líneas, rectángulos, encuentros y vacíos inadvertidos que acentúan el concepto de frontera. A su vez, son las austeras notas de color quienes asumen el nuevo significado que el artista recrea sobre las fronteras, tan abstractas como tangibles. Paternosto supera los limites conceptuales del conocimiento y materiales de la obra a través de la propia expresión espacial y plástica.

Cé­sar Pa­ter­nos­to (1931) na­ció en La Pla­ta, Argentina. Pintor y escultor residió en Nue­va York desde 1967, en 2004 se tras­la­dó a Se­go­via, Es­pa­ña, año en que pre­sen­tó una ex­po­si­ción in­di­vi­dual en el Mu­seo de Ar­te Con­tem­po­rá­neo Es­te­ban Vi­cen­te con la cu­ra­du­ría de To­más Llo­rens. En 1969 Paternosto inició una se­rie de obras donde a simple vista el frente de la obra, blanca y uniforme, no revelaba una imagen. El artista geométrico comenzó a pintar en los anchos bordes del bastidor. En 1972 obtuvo la beca Guggenheim para pintura entre otras becas. Recientemente  los arquitectos Rafael Moneo y Pedro Elcuaz le propusieron intervenir la estructura portante del nuevo vestíbulo de llegada de la estación de Atocha en Madrid. Los planos de color de Paternosto aparecen y desaparecen a medida que el viajero o espectador camina.  

En Arte Argentino Cuatro siglos de Historia, Jorge López Anaya escribe sobre la obra de Paternosto; “Las nue­vas obras obli­ga­ban al es­pec­ta­dor a des­pla­zar su mi­ra­da ha­cia uno y otro la­do del bas­ti­dor; era una ma­ne­ra de au­men­tar la com­ple­ji­dad de la re­cep­ción, in­du­cien­do una par­ti­ci­pa­ción ac­ti­va y cor­po­ral. Se­gún To­más Llo­rens, es­te des­cu­bri­mien­to de los can­tos de las te­las es una con­se­cuen­cia del cues­tio­na­mien­to del mar­co ini­cia­do por Paul Klee y con­clui­do por Piet Mon­drian. Pa­ter­nos­to ha­bía des­cu­bier­to esa po­si­bi­li­dad cuan­do ad­vir­tió que el pin­tor ho­lan­dés de­ja el cen­tro de la te­la abier­ta y lle­va­ba las ba­rras ne­gras y las zo­nas de color ha­cia los bor­des.”

Su obra está incluída en colecciones públicas y privadas como el MoMa y el Guggenheim en Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Kunstmuseum Bern, Suiza, el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid, The Ford Foundation. También en el Diana and Bruce Halle Collection en Arizona, la Colección Patrica Phelps Cisneros y Ella Fontanals-Cisneros, el Museo Nacional de Bellas Artes y Museo de Arte Moderno en Buenos Aires, la Colección Baroness Carmen Thyseen-Bornemisza en Madrid, la Colección Norman Foster, Madrid, entre muchas otras. Ha realizado numerosas exposiciones tanto individualmente como en muestras colectivas en Estados Unidos, América Latina y Europa.