Carlos Gorriarena nació en Buenos Aires el 20 de diciembre de 1925. A los 17 años ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde se formó con dos figuras fundamentales: Lucio Fontana en escultura y Antonio Berni en dibujo. En 1948 decidió abandonar la institución para continuar su formación de manera independiente junto al pintor Demetrio Urruchúa, referente del realismo social y figura clave en su desarrollo artístico.

Realizó su primera exposición individual en 1959 y fue cofundador del Grupo del Plata, activo entre 1960 y 1964. En 1962 fue invitado a Vence (Francia) por la Michael Karolyi Memorial, dirigida por Bertrand Russell. Entre 1971 y 1972 residió en Madrid, ampliando su experiencia internacional.

En 1986 recibió el Gran Premio de Honor del Salón Nacional, la máxima distinción en las artes visuales en Argentina, por su obra Pin Pan Punk. Su producción se inscribe dentro de lo que se ha denominado Arte Político, una corriente iniciada en el país por Antonio Berni en la década de 1930. Sin embargo, su obra trasciende la lógica de la propaganda: constituye un agudo cuestionamiento ético de la realidad social, donde lo político emerge como dimensión inherente a la experiencia contemporánea.

Pintor incansable, desde mediados de la década de 1950 realizó más de doscientas exposiciones en Argentina y en el exterior. Asimismo, tuvo un rol destacado en la formación de nuevas generaciones de artistas.

Antonio Asis (Buenos Aires, 1932) es una de las figuras clave del arte cinético y geométrico argentino, reconocido por una obra que investiga de manera sostenida las relaciones entre percepción, movimiento y estructura. Proveniente de una familia de origen libanés radicada en Argentina, se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires entre 1946 y 1950, en un contexto atravesado por el surgimiento y las discusiones del Movimiento de Arte Concreto. Durante esos años, fue alumno de Héctor Cartier, cuya enseñanza basada en los principios de la gestalt resultó fundamental para el desarrollo de su pensamiento visual, especialmente en lo relativo a la relatividad del color y la percepción.

A fines de la década de 1950, Asis decidió trasladarse a París, en un gesto que invierte el recorrido migratorio de su familia. En la capital francesa se insertó en el dinámico ambiente artístico de la época y formó parte del grupo de artistas latinoamericanos que desarrollaron allí sus trayectorias. Sus primeros años estuvieron marcados por trabajos diversos hasta lograr dedicarse plenamente a su producción artística. Con el tiempo, se consolidó como uno de los artistas argentinos más destacados en Europa.

Su obra se inscribe dentro de la tradición abstracta, pero introduce una dimensión experimental que busca desestabilizar la percepción del espectador. A través del uso de tramas, grillas metálicas y superposiciones, Asis construye un lenguaje visual en el que el movimiento no es real sino perceptivo. El espectador debe desplazarse frente a la obra para activar las vibraciones ópticas que esta propone. En este sentido, espacio y tiempo se convierten en elementos centrales de su práctica: la obra no se agota en su materialidad, sino que se completa en la experiencia visual.

A lo largo de su carrera, participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en instituciones y galerías de Europa y América, incluyendo eventos históricos del arte cinético como Lumière et mouvement en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris en 1967. Su trabajo también formó parte de exposiciones en el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museum of Fine Arts de Houston y diversas instituciones dedicadas al arte latinoamericano.

Las ideas desarrolladas por Asis han influido en generaciones posteriores de artistas interesados en la percepción y el movimiento. Sin embargo, su producción mantuvo siempre un carácter introspectivo, desarrollada en gran medida en la intimidad de su taller parisino.

Hoy, su obra es reconocida internacionalmente y forma parte de importantes colecciones públicas. Su “universo dinámico”, basado en la vibración, la repetición y la inestabilidad visual, lo posiciona como una figura central dentro del arte cinético, cuya investigación continúa interpelando la mirada contemporánea.

Nació en Buenos Aires el 28 de julio de 1928. Se orientó en sus estudios a las carreras tradicionales y recién después de cuatro años de recibirse de abogado, ingresó al mundo de la pintura guiado nada menos que por Leopoldo Presas y Leopoldo Torres Agüero. En 1958 realizó su primera muestra individual en la galería Rubbers de Buenos Aires. Pocos años después forma junto a Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega y Rómulo Macció el grupo “Nueva figuración”, exponiendo en la Galería Peuser en 1961 y en los años siguientes en el Museo de Bellas Artes y también en el exterior. En 1964 participa del IV Guggenheim Intrenational Award y organiza exposiciones en Europa. Dos años después es invitado como profesor en la Universidad de Cornell (EE.UU)en 1965 obtuvo la Beca Fulbright y en 1967 obtiene el Premio Palanza. Entre otros, recibió en 1965 en E.E.U.U. el premio del Primer Salón de Artistas Jóvenes de América Latina y el Premio Palanza en 1967.

Realizó numerosas muestras individuales y colectivas en Río de Janeiro, Bruselas, Madrid, París, Chartres y Venecia. En 1981 la Galería Degli Uci incluyó un Autorretrato dentro de su colección. En 1992 expuso su obra “Adán y Eva #2” (1963) formó parte de Ia Muestra Konex 100 Obras Maestras – 100 Pintores Argentinos (exposición antológica de la pintura argentina) en el MNBA en Buenos Aires. Fallece en París en julio de 1986. En los años siguientes su obra se expuso tanto en Buenos Aires, como en distintas ciudades de América Latina. Sus obras se encuentran en importantes colecciones públicas: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, E.E.U.U; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentino; Centro de Arte Contemporáneo, Córdoba, Argentina; Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina; Banco Ciudad, Buenos Aires, Argentina; Museo Municipal de Bellas Artes ̈Juan B. Castagnino ̈, Rosario, Argentina.

Oscar Bony (1941, Misiones)  A los 17 años comenzó sus estudios de pintura con un profesor local y en 1959 llegó a Buenos Aires becado para concurrir a la Escuela Preparatoria de Bellas Artes Manuel Belgrano. Sin embargo, siempre se consideró un artista autodidacta. Entre 1959 y 1963, asistió a los talleres de Demetrio Urruchúa y Juan Carlos Castagnino, y trabajó como ayudante de Antonio Berni. Su imagen inicial transita de cierto realismo expresivo hacia la nueva figuración. En 1964, su serie Anatomías le permite ingresar al circuito del arte contemporáneo, es invitado al Premio de Honor Ver y Estimar y realiza su primera exposición individual en una de las más importantes galerías porteñas, la Galería Rubbers. Su ámbito de pertenencia era el grupo de artistas que frecuentaba el Bar Moderno, en especial Rubén Santantonín, Pablo Suárez, Emilio Renart y Ricardo Carreira.

Entre 1965 y 1968, sus experiencias con el pop, el minimalismo, el arte conceptual y los objetos, lo ubicaron en el centro de acción de la vanguardia más radical que se movía entre galerías alternativas, el Premio de Honor Ver y Estimar y el Instituto Di Tella. Bony expuso instalaciones, cortometrajes, objetos, estructuras primarias y una obra sonora. En 1968, en la muestra Experiencias ’68 en el Di Tella, alquiló una familia de clase obrera y la exhibió “en vivo”, sobre un pedestal de museo. Las reacciones del público, la crítica y el mundo oficial del arte, las divisiones dentro de la misma vanguardia, las tensiones entre práctica artística y práctica política, la crisis social, económica y política, eran cada vez más extremas y los frentes de lucha se multiplicaban. Ante la clausura judicial de la pieza de Roberto Plate los demás artistas decidieron destruir sus obras, tirarlas a la calle Florida y denunciar públicamente los avances de la censura. Es el fin de una época. Bony y varios de sus compañeros abandonaron el campo del arte.

A partir de 1968 y durante casi seis años, Bony trabajó como fotógrafo dentro de la industria de la música. Era justo el momento en que el rock nacional se convertía en un fenómeno popular ingresando a los medios masivos de comunicación como la televisión, un producto consumido por una audiencia joven y en expansión acelerada. Las compañías de grabación habían incorporado mecanismos de venta y publicidad utilizados en otros mercados. Los lanzamientos de cada disco estaban ligados a recitales, festivales, campañas de promoción; los discos incluían producciones fotográficas especiales y las letras de las canciones; se editaban afiches de los ídolos más exitosos; se planificaba el perfil de cada grupo musical diseñando vestuarios, peinados y escenografías para sus sesiones de fotografía y presentaciones; algunas revistas especializadas, el cine, la radio y la televisión actuaban como canales de difusión. Bony se transformó en uno de los creadores del imaginario visual del rock nacional ligado al sello discográfico RCA y actuando en toda la movida. Hay un “estilo Bony”, que el rock identifica y distingue. Los Gatos, La Joven Guardia, Manal y Almendra son algunos de los grupos cuya imagen pública inventó su cámara.

En 1974 el artista volvió al mundo del “arte culto”, a su carrera “profesional”, realizó pinturas y fotografías, un par de exposiciones, y finalmente toma la decisión meditada pero postergada durante años de partir al exilio. Entre 1977 y 1988, vivió en Milán. Fueron diez años de presencia constante en la escena italiana y de muestras en España, Irlanda, Francia, viajes a Estados Unidos y contactos intermitentes con Buenos Aires; Bony, otra vez, haciendo instalaciones, objetos, montajes, intervenciones, pinturas y técnicas combinadas. En 1980 fue invitado a la XVI Triennale. Nuova Immagine en Milán, y en 1982 a la XL Biennale Internazionale D’Arte, Aperto ’82 en Venecia. Visitó estilos como la transvanguardia; y, en 1986, inauguró dos exposiciones individuales simultáneas en dos de las galerías más importantes de Milán, Galleria Zeus Arte y Galleria Fac-Simile.

En 1988 regresó a la Argentina. Exploró, trabajó, esperó, se infiltró con paciencia. En 1993, su muestra De memoria lo consagró de nuevo. Bony es otro de los sobrevivientes de los años ’60 que deslumbró a los jóvenes, es respetado por la crítica y está en acción. En 1994 sus vidrios, papeles y plomos baleados en marcos dorados y a partir de 1996 sus primeras fotografías con vidrios baleados confirman su excentricidad, su intensidad y rigurosidad, su nomadismo, su magia para ser uno y muchos a la vez. Realizó instalaciones, performances como Il limite, realizada sin invitación oficial, fuera de programa en la XLVI Biennale di Venezia, panfleteadas, declaraciones y exposiciones. En 1997 lo invitaron a la 6ª Bienal de La Habana. El individuo y su memoria, a la I Bienal de Artes Visuais do Mercosul en Puerto Alegre, y a la 5th International Istanbul Biennal en Estambul. Despide el siglo con bastante presencia en la prensa especializada, brindando cantidad de notas periodísticas y charlas gracias al impacto alcanzado con la serie de “las fotografías baleadas” en la muestra El triunfo de la muerte en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA).

La familia obrera de 1968 fue recuperada en Buenos Aires, Nueva York, Madrid y Liubliana (Eslovenia), y reconocida por la historia del arte contemporáneo internacional. En plena actividad, Oscar Bony murió en Buenos Aires en abril de 2002.

Desde 2007, a partir de la retrospectiva Oscar Bony. El Mago. Obras 1965-2001, realizada con curaduría e investigación a cargo del curador en jefe Marcelo Pacheco en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), se abrió una etapa de una década de circulación y difusión privilegiada en el mundo regional e internacional: grandes muestras dedicadas al revisionismo del arte conceptual y el minimalismo y los inicios del arte contemporáneo contaron con su presencia tanto en Estados Unidos como en Europa, así como en paralelo alcanzó una sólida posición con compras para el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), la Kunsthaus de Zúrich y las colecciones Bengolea y Costantini en Buenos Aires.

Renata Schussheim, nacida en Buenos Aires el 17 de octubre de 1949, es una artista multidisciplinaria argentina destacada en el diseño de vestuario, escenografía, ilustración y artes plásticas.Su carrera se distingue por integrar diferentes disciplinas y explorar constantemente nuevos mundos creativos. Desde temprana edad, fue impulsada por su madre a estudiar dibujo y pintura. A los 13 años, comenzó a formarse con el pintor Carlos Alonso, quien la ayudó a encontrar su identidad como artista. A los 15, realizó su primera exposición en la galería El Laberinto, con dibujos influenciados por El Bosco.

A los 19 años comenzó a trabajar como diseñadora de vestuario, y su labor se expandió rápidamente a la escenografía, la fotografía y la animación. Renata ha afirmado que sus disciplinas se superponen de manera orgánica. En una de sus exposiciones combinó imágenes, videos, performances y objetos, fusionando diversas formas artísticas.

Ha trabajado en estrecha colaboración con músicos como Charly García, Luis Alberto Spinetta, Walter Giardino y Federico Moura. Con García diseñó las portadas de los discos Música del Alma y Bicicleta, y fue responsable del diseño escenográfico de sus presentaciones.
En teatro y ópera, se destacó en obras como Jesucristo Superstar, La flauta mágica y Carmen, presentadas en importantes teatros de Argentina, España, Francia y Chile. También colaboró con Oscar Araiz en Boquitas pintadas, de Manuel Puig.

En cine trabajó con Héctor Olivera en Buenos Aires Rock (1983) y desarrolló proyectos personales como la escenografía de un hotel alojamiento, explorando aspectos íntimos de la sociedad. La colaboración ha sido clave en su obra: trabajó junto a artistas como Marie Orensanz, su mentora, y Jean-François Casanova, del grupo Caviar. Para Schussheim, el estímulo mutuo entre generaciones es uno de los valores esenciales del arte.

Es reconocida por haber desarrollado en Argentina el concepto de “arte de la complicidad”, entendiendo la creación como un proceso colectivo. Su figura se destaca como la de una cómplice: una artista que se disuelve en la colaboración y, a la vez, produce obras únicas.
Fue una de las pocas artistas, junto con Marta Minujín, con una muestra individual en el CAyC de Jorge Glusberg. Su nombre se asocia con un enfoque rompedor en el arte argentino.
Ha afirmado que lo más importante es estar atenta a lo que la inspira. Su curiosidad infinita la llevó a experimentar sin apegarse a una única disciplina. “Me interesa todo”, ha dicho. Su obra refleja esa capacidad de transformación, así como su voluntad de influir, transmitir y colaborar. Así, se ha posicionado como una figura esencial del arte contemporáneo argentino, demostrando que la creatividad no tiene límites y que el arte es, ante todo, un espacio de intercambio y crecimiento continuo.