María Martorell (Salta, 1909-2010) fue una pintora argentina.

Se inicia en la pintura bajo la tutela del artista y escenógrafo Ernesto M. Scotti en 1942. Es por esta época también que comienza a viajar constantemente a Buenos Aires, ciudad en la que crecía con fuerza la abstracción, generándose una nueva vanguardia. En 1946 expone en el Salón Nacional y en 1949 recibe el Primer Premio en el Primer Salón Anual de Pintura de Salta. Ese mismo año recibe el Primer Premio del Salón Amigos del Arte. En 1952 se radica en Madrid, donde asiste a los talleres libres de la Asociación de Bellas Artes y al Museo de la Academia de San Fernando.

En 1954 viaja a París, donde se establece durante unos años y se vincula con la Galería de Arte de Denise René, la cual impulsaba la abstracción y las obras de carácter óptico y cinético.

A principios de la década de los ’60, y bajo la dirección de Jorge Romero Brest como director del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, se propuso un intenso programa modernizador que incluyó, por primera vez, diversas exposiciones de arte argentino contemporáneo, legitimando de esta manera la obra de Martorell en el contexto nacional de la abstracción.

Los años ’60 fueron los de mayor visibilidad en la obra de Martorell. A principios de la década viaja a Nueva York, donde se conecta con la neofiguración, el pop-art, los happenings, el cinetismo y la desmaterialización de la obra. En 1961 realiza una exposición individual en la Collector’s Gallery de Nueva York y su primera muestra de tapices en Salta. En 1962 expone en el Museo de Arte Contemporáneo de Chile y en 1963 integra la muestra Ocho artistas constructivos, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, invitada por su director Jorge Romero Brest. En 1967 inaugura una exposición individual de tapices ejecutados por artesanos textiles de Cafayate, en la galería El Sol de Buenos Aires. Ese mismo año participa del Salón Nacional y de la muestra Más allá de la geometría, en el Instituto Di Tella.

En 1974 presenta una muestra individual en el Centro Venezolano-Argentino de Cooperación Cultural Científico-Tecnológica de Caracas. En 1975 presenta dos importantes exhibiciones en la galería Bonino de Buenos Aires y en la galería Avril en México. En 1977 realiza una exposición individual en la galería San Diego de Bogotá, culminando la década con una gran muestra en la sede de la OEA en Washington DC denominada Pinturas de María Martorell.

Como parte del reconocimiento a su labor artística, el 22 de diciembre de 1980 la Academia de Bellas Artes designa a María Martorell delegada académica por la provincia de Salta. En 1982 realiza una muestra individual denominada El pintor y su memoria, en el espacio de la Unión Carbide Argentina en Buenos Aires, y en 1985 en la galería Centoira. En 1989, recibe el premio al Mérito Artístico otorgado por el gobierno de la provincia de Salta. En 1990, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires organiza una exhibición retrospectiva de su obra, denominada De la figuración a la abstracción, 1948-1990. Durante esa década y la siguiente continúa participando activamente de la escena artística tanto de Buenos Aires como de Salta, con diversas muestras individuales y colectivas en espacios como el Centro Cultural Recoleta, el Palais de Glace, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo de Arte Contemporáneo de Salta.

Fallece el 26 de julio de 2010 en la ciudad de Salta. En la edición N°20 de arteba se realizó un homenaje denominado María Martorell: La energía desencadenada (1909-2010). En 2013, el Museo de Bellas Artes de Salta realizó la muestra homenaje La energía del color, donde se presentaron obras de diferentes etapas de la artista.

Eduardo Costa (Buenos Aires, 1940) es un artista argentino.

Estudió Literatura e Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires. Comenzó su carrera artística como parte de la generación del Instituto Torcuato Di Tella; junto a Roberto Jacoby y Raúl Escari redactó el manifiesto Un arte de los medios de comunicación (Towards Media Art, 1966). A finales de los ’60 viajó a Nueva York, donde realizó una contribución fuerte a la vanguardia local. Sus obras de ese período revelan la influencia de diferentes lenguajes en un clima de experimentación y clara expansión de su práctica artística. Colaboró con artistas norteamericanos Vito Acconci, Scott Burton, John Perreault y Hannah Weiner, entre otros. En Brasil, donde residió durante 4 años, participó en proyectos organizados por Hélio Oiticica, Lygia Pape, Antonio Manuel, Lygia Clark y otros de la escuela de Río de Janeiro.

Su obra incluye desde piezas sonoras, performances, moda y diseño hasta joyas, ready-mades y pinturas. Desde 1994 trabaja en el proyecto Pintura volumétrica, una serie de piezas que trascienden el plano y los medios de la pintura tradicional. En palabras del artista, la mayoría de mis obras mejoran si, como mínimo, las cortan a la mitad, dejando las entrañas al descubierto.

Ha expuesto en el New Museum, Nueva York; Victoria and Albert Museum, Londres; Museo Reina Sofía, Madrid; MIT Lista Visual Arts Center, Mass .; Museo de Arte de Miami, Miami; Fundación Jumex, México DF; Vienna Se- cession, Viena, Austria; Galería Lisson, Londres; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro; Museo de Arte Moderna, Sao Paulo; Museo de Arte Moder- no, Buenos Aires; Museo Nacional de Bellas Artes, BA; Malba – Fundación Costantini, BA; Museo Tamayo, México y otros. En 2017 el Museo Tamayo de México realizó una retrospectiva del artista denominada Las relaciones mentales.

Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, la Colección Jumex en Ciudad de México, la Colección Banco Mercantil de Caracas, entre otras instituciones culturales.

Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

César Paternosto (1931) nació en La Plata, Argentina. Pintor y escultor residió en Nueva York desde 1967. En 2004 se trasladó a Segovia, España, año en que presentó una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente con la curaduría de Tomás Llorens.

En 1969 Paternosto inició una serie de obras donde a simple vista el frente de la obra, blanca y uniforme, no revelaba una imagen. El artista geométrico comenzó a pintar en los anchos bordes del bastidor. En 1972 obtuvo la beca Guggenheim para pintura entre otras becas.

En 2010 los arquitectos Rafael Moneo y Pedro Elcuaz le propusieron intervenir la estructura portante del nuevo vestíbulo de llegada de la estación de Atocha en Madrid. Los planos de color de Paternosto aparecen y desaparecen a medida que el viajero o espectador camina. Recientemente exhibió en el Museo Thyssen – Bornemisza en Madrid (España) en la muestra llama- da “Hacia una mirada objetual ” en la que se estableció un diálogo entre obras de artistas de la colección del museo (noviembre, 2017 – enero, 2018). Su obra está incluida en colecciones públicas y privadas como el Museo de Arte Moderno (MoMa), el Guggenheim y La Fundación Ford en Nueva York; el Museo de Bellas Artes de Boston; el Kunstmuseum Bern, Suiza; el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, la Colección Baroness Carmen Thy- seen- Bornemisza y la Colección Norman Foster en Madrid; el Diana and Bruce Halle Collection en Arizona; la Colección Patricia Phelps Cisneros y Ella Fontanals-Cisneros en Venezuela, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) ,Museo de Arte Moderno (MAMBA) en Buenos Aires, Argentina, Museo Thyssen de Madrid, España; entre muchas otras.

Rogelio Polesello (1939-2014) nació en Buenos Aires, Argentina. Pintor y escultor, presentó su primera exposición individual en 1959 en la galería Peuser donde era manifiesta su admiración por Víctor Vasarely. Poco después su geometría obtuvo referencias de la Nueva Abstracción con recursos de los artistas ópticos, como el desfase de formas geométricas, con los que producía un fuerte efecto de inestabilidad. Trabajó con pintura, grabado y objetos acrílicos capaces de generar efectos ópticos que descomponen la imagen. Realizó numerosas exposiciones individuales, entre las que se destacan la de la Unión Panamericana en Washington en 1961, Museo de Bellas Artes de Caracas en 1966 y 1968, Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella en 1969, Museo de Arte Moderno de Bogotá y Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2000, en otras.

Realizó también trabajos interdisciplinarios relacionados con la arquitectura, la intervención de espacios públicos, el diseño publicitario, ambiental y textil. Obtuvo el Primer premio Georges Braque, el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de las Artes y el Primer Premio Salón ESSO, en otras distinciones. En 2015 el Museo de arte Latinoamericano de Buenos Aires le realizó una exposición antológica de sus obras.

Su obra está incluida en colecciones públicas y privadas como el Museo de Arte Latinoamericano (MALBA), el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) y Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), Argentina; el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa), el Museo Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte de las Américas en Washington, el Museo Blanton de Austin y el Museo de Arte Lowe en Miami, USA; el Museo de arte Moderno de Bogotá y la colección de Arte del Banco de la República de Bogotá, Colombia y el Museo de Bellas Arte de Caracas, Venezuela, entre muchas otras.

Edgardo Giménez (1942) nació en Santa Fe, Argentina. Artista autodidacta, comenzó trabajando en gráfica publicitaria. En pintura y escultura ha tenido múltiples exposiciones colectivas, individuales y retrospectivas en el Museo de Arte Tigre (2018), Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén (2016),  Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (1997) y en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1987), entre otros.

Como diseñador gráfico participó en proyectos en Japón, U.S.A., Francia, Italia, Alemania, Suiza, Polonia, entre otros países. En 1987 participó en la muestra “Los Afiches Más Bellos del Mundo” en el Gran Palais de Paris, auspiciado por la UNESCO.

En Arquitectura realizó las siguientes obras: “Casa Azul” (1970-72), expuesta en MoMA de Nueva York, U.S.A. en la muestra “Transformations in Modern Architecture”(1979); “Casa Colorada”(1976); “Casa Amarilla” (1979-1981); “Casa Blanca Provincia de Buenos Aires” y “Casa de las Columnas Doradas” (1987), Belgrano, C.A.B.A. En 1985 obtuvo el Premio Lápiz de Plata en la Bienal Diseño. Realizó los siguientes libros: “Romero Brest: La Cultura Como Provocación” (2006), “Edgardo Giménez; Arte y Política” (2007) “Edgardo Giménez, Autobiografía, Carne Valiente” (2016).

Se desempeñó como director de arte del Teatro San Martín (1980/83), con distinciones nacionales y extranjeras. Realizó la imagen gráfica e institucional del Teatro Colón (1983-1984) y en 1997 obtuvo el Premio Leonardo del MNBA. Estuvo a cargo de la dirección de comunicación visual para la Secretaría de Cultura del Gob. GABA (2000-2006).

Sus obras se encuentran en las siguientes colecciones, museos y fundaciones: Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Buenos Aires, Argentina; Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo Rosario (MACRO), Rosario, Santa Fe, Argentina; Fundació Federico Jorge Klemm, Buenos Aires, Argentina; Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina; Colección Ignacio Pirovano, Arte Argentino Permanente Casa Rosada, Buenos Aires, Argentina; Fundación Espigas, Buenos Aires, Argentina; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, U.S.A.; The Metropolitan Museum of Art (MET), New York, U.S.A.; Librería del Congreso, Washington, U.S.A.; Nasher Museum de Duke University, Durham, North Carolina, U.S.A.; Getty Research Institute, Los Angeles, California, U.S.A.; Los Angeles Country Museum of Art (LACMA), Los Angeles, California, U.S.A.; Zimmerli Art Museum at Rutgers University, New Brunswick, New Jersey, U.S.A.; Block Museum of Art, Northwestern University, Evanston, Illinois, U.S.A.; Denver Art Museum, Denver, Colorado, U.S.A.; El Museo del Barrio, New York, New York, U.S.A.; Mead Art Museum at Amherst College, Amherst, Massachusetts, U.S.A.; Museo de Arte Contemporáneo Chile, Santiago, Chile; Museo Narodowe, Polonia; y en importantes colecciones privadas.

Jorge Luis de la Vega (Buenos Aires, 1930 – Buenos Aires, 1971) fue un artista plástico argentino de formación autodidacta. Fue dibujante, grabador, poeta, diseñador gráfico y creativo en agencias de publicidad. Se desempeñó como docente en la Universidad de Buenos Aires y en Cornell University.

En 1960 integró el movimiento artístico denominado “Nueva figuración” y fue cercano al Instituto Di Tella dirigido por Jorge Romero Brest, donde expuso individualmente en 1967. Entre 1963 y 1966 realizó su serie de “Monstruos o Bestiario”.

En 1965 gana una beca para viajar a Estados Unidos. Allí comenzó a producir su obra en sintonía con el lenguaje Pop. En aquel tiempo expuso con regularidad en Nueva York, Pittsburg, Madrid, Toronto y Buenos Aires.
En 1966 obtuvo el Premio Especial para Pintor Argentino en la Bienal Latinoamericana de Arte de Córdoba. En 1969 participó en la Bienal de San Pablo (Brasil).

Sus obras se encuentran en importantes colecciones públicas como:
el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA); el Museo de Bellas Artes de Houston (MFAH); el Museo de Arte Blanton, Texas; el museo Salomon R. Guggenheim de Nueva York; la escuela de Diseño y Museo de Arte de Rho- de Island; el Museo de Arte Moderno de Río de Janiero (MAM Río); el Museo de arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba); el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (MNBA); el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); entre otros.

Edgardo Antonio Vigo (La Plata, Argentina, 1928-1997) estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de La Plata. Entre 1950 y 1991 trabajó en el Poder Judicial de la Provincia de Buenos Aires.

En 1953 fue becado y viajó a Francia donde tomó contacto con la escena artística internacional. De regreso a la Argentina comenzó a trabajar en sus “objetos inútiles”. En 1955 fundó el grupo Standard’55 junto a Gigli y Guereña y empezó a trabajar en sus primeros Poemas Matemáticos. En 1956 fundó el movimiento Relativuzgir’s y en 1957 expuso sus “máquinas inútiles” en la Asociación del Poder Judicial.

Entre 1958 y 1960 publicó la revista WC junto a Gigli, Guereña y Comas, así como los tres números de DRKW’60 de su exclusiva autoría. En 1961 participó de una exposición invitado por el Grupo Sí. En 1962 fundó la revista Diagonal Cero (28 números hasta 1968) difundiendo poesía experimental centrada en la difusión del Movimiento Diagonal Cero que integraba junto a Pazos, Gutiérrez y Ginzburg. En 1968 publicó el manifiesto Un arte a realizar, el cual definió como: “un arte tocable, de señalamiento, de expansión, lúdico, participativo, absurdo y contradictorio”.

De 1968 a 1992 hizo una serie de acciones en la vía pública denominadas “Señalamientos”, que tendían a crear un desorden en el orden cotidiano. “Manojo de Semáforos” es una de sus acciones mas reconocidas.
En 1968 también realizó los Poemas matemáticos incomestibles encerrando algún objeto misterioso en dos latas de atún soldadas entre si. En París editó sus Poemas Matemáticos Barrocos que permitían al público componer sus propios poemas manipulando un conjunto de planos de colores. Fundó también el Museo de la Xilografía, una institución ambulante constituida por cajas de obras listas para ser montadas y exhibidas. En 1969 presentó el film Blanco sobre blanco: homenaje a Kasimir Malevich, proyectado a espaldas del público, organiza la Exposición Internacional de Novísima Poesía en el Instituto Di Tella De Buenos Aires y editó Obras (in)completas, un conjunto de etiquetas que los receptores pueden adosar a cualquier objeto transformándolo en un poema visual. Entre 1971 y 1975 editó la revista Hexágono’71, dedicada a la teoría y poesía experimental. En 1975 organiza la Última exposición de arte-correo junto a Horacio Zabala. Participó también de algunas de las actividades organizadas por el CAyC como la muestra Arte de sistemas en el Museo de arte Moderno de Buenos Aires, en 1971. En 1976 con la llegada de la dictadura militar en Argentina y a raíz de la desaparición forzada de su hijo, la obra de Vigo adquirió un cariz político y el circuito de arte-correo fue su vehículo para difundir las atrocidades cometidas durante el régimen de facto.

A partir de 1980 se dedicó principalmente a la producción de arte correo, acciones, objetos y xilografías. Ajedrez proletario (1983-87) pertenece a este período. Junto a Graciela Gutiérrez Marx forma el colectivo G.E.Marx-Vigo, que trabaja de manera conjunta durante siete años.
En 1991, se realizó una retrospectiva de su obra en Fundación San Telmo de Buenos Aires. En 1994 integró el envío argentino a la XXII Bienal de San Pablo (Brasil), junto con Pablo Suarez y Libero Badii y realizó la exhibición 1954-1994 en la Fundación de Artes Visuales de La Plata. En 1997 inauguró la muestra individual en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (Centro Cultural español de Buenos Aires) y conformó la selección argentina de artistas que participaron de la I Bienal del Mercosur en Porto Alegre (Brasil).

En 2003 se llevó a cabo una exposición antológica de su obra en la Fundación Telefónica de Buenos Aires. En 2008 se inauguró Maquinaciones. Edgardo Antonio Vigo: Trabajos 1953-1962 en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, que luego se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario y el Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata.
En 2016 el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) realiza Edgardo Antonio Vigo, Usina permanente de caos creativo, Obras 1953 – 1997, una retrospectiva exhaustiva de su obra.

Juan Nicolás Melé (1923 – 2012) fue un artista argentino. A la edad de 11 años comienza a estudiar dibujo y pintura con Enrique Rodríguez. Comienza su educación en la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” (con sus amigos los también artistas Gregorio Vardanega y Tomás Maldonado) y después en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredon”.

Al terminar sus estudios, entra en contacto con la asociación Arte Concreto Invencion formada por Alfredo Hlito, Lidy Prati, Manuel Espinosa, Enio Iommi, los hermanos Lozza, Tomás Maldonado, Alberto Molenberg, Claudio Girola, Jorge Souza, Antonio Caraduje, Oscar Nunez, Virgilio Villalba y Contreras, con quienes participa en la tercera exposición del grupo, en octubre de 1946.

El gobierno francés le da una beca, con la cual asiste a L’École du Louvre entre 1948 y 1949. Expone en Italia, donde entra en contacto con los miembros del grupo de Béton de Milan. En Suiza entra en contacto con Max Bill y, en París, con Michel Seuphor.

En 1950, de regreso en Argentina, continúa trabajando en arte como docente de Historia de los Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1955 es cofundador del grupo Arte Nuevo dirigido por Aldo Pellegrini y Carmelo Arden-Quin y contando entre sus miembros Martha Boto, Simona Ertan, Eduardo Jonquieres y Gregorio Vardanega.

En 1974 se instala en Nueva York donde trabaja y expone en la Galería de Caïman (1978) y en la Galería de Arco (1983 – 1985). En 1981 expone en el Museo “Eduardo Sívori” en Buenos Aires. En 1986, regresa a la Argentina y un año más tarde organiza una exposición individual en el Museo de Arte Moderno.

Recibe el premio Alberto J. Trabucco, en 1997, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes. Edita un libro con sus memorias, La vanguardia del ’40. Memorias de un artista concreto, editado en 1999.

Falleció en 2012, a los ochenta y ocho años de edad.

Kenneth Kemble (Buenos Aires 1923 – 1998) estudia pintura durante 1950 con su primer maestro, Raúl Russo. En 1951 concurre a la Academia de André Lothe, en París y recorre museos en Francia, Italia, España, Inglaterra, Bélgica y Holanda.

A mediados de la década del 50’ retorna a la Argentina. Su estadía es breve, ya que en 1955 viaja a EEUU y permanece allí por tres meses.

En 1956, vuelve a Buenos Aires, y a partir de 1956 comienza a desarrollar una serie de collages y óleos – realizados con trapos, rejillas, cartones, frazadas, que forman parte central de la renovación del lenguaje artístico en Argentina. 

Entre 1958 y 1960 produce su serie de Paisajes Suburbanos, assamblages hechos de maderas,cortezas de árbol, chapas extraídas por Kemble de barrios de emergencia de Córdoba. En 1958 expone por primera vez en la Galería Pizarro, en la exhibición Arte Nuevo. En 1961 lleva adelante la exposición Arte Destructivo en la Galería Lirolay, experiencia que abre el camino para el Conceptualismo en Argentina, y las experiencias que se realizarán en el Instituto Di Tella y el CAYC- Centro de Arte y Experimentación- durante la década del 60’ y 70’.

En 1963, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires le dedica su primera exposición retrospectiva, durante el mismo año expone individualmente en el Museo de Arte Moderno de Miami.

Entre 1960 y 1972 es crítico de arte del diario Buenos Aires Herald, es Director del Museo de Luján entre 1968-1972 y en 1962 se incorpora como docente en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, tarea que llevaba adelante previamente en su taller y que continuará toda su vida.

En 1972 obtiene el primer premio de pintura en el Salón Nacional de Artes Plásticas Manuel Belgrano. La década del 70 será fecunda para su producción artística y crítica: publica en diversos medios los escritos La Pintura no se mueve, no hace ruido y no es un medio de comunicación, por suerte-1971-, Autocolonización Cultural I y II y En defensa de la Academia -1976.

Durante la década del 80 expone individualmente en las galerías Alberto Elía -1980-, Ruth Benzacar -1985, 87, 89- y en el Centro de Arte y Comunicación- CAYC, 1988-. 

Recibe, en 1983 el premio a la mejor labor docente, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, y al mejor artista del año en 1985, adjudicado por la misma institución.

En 1987, el crítico Rafael Squirru publica el libro Kenneth Kemble, ensayo crítico y biográfico.

En 1994 obtiene el Gran Premio de Honor del Salón de Artes Plásticas. Entre 1995 y 1998 tienen lugar dos grandes exposiciones retrospectivas, la primera en las Salas Nacionales de Exposición y la última en el Centro Cultural Recoleta, titulada La Gran Ruptura. Obras (1956-1963), curada por Marcelo Pacheco.

Sus obras están incluidas en importantes colecciones públicas y privadas como la del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (MNBA); el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba); el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); entre otros.

Gregorio Vardánega (1923-2007) nació en Passagno, Treviso, Italia. Se muda a Buenos Aires en 1926. En 1939 comienza su formación artística en la Academia Nacional de Bellas Artes, graduándose en 1946 como profesor de dibujo. Integró la Asociación Arte Concreto-Invención, participando en varias de sus exposiciones. Fue miembro fundador de la Asociación Arte Nuevo y del grupo Artistas no Figurativos Argentinos (ANFA). En 1957 integra el envío presentado en la IV Bienal Internacional de Sao Pablo y, al año siguiente, participa en la Exposición Internacional de Bruselas, donde obtiene Medalla de Oro. En 1959 decide establecerse en París, ciudad en la que exhibió sus obras con regularidad en reconocidas Instituciones, entre las que destacan: Salón de France-Amérique, París, Francia (1959); Galerie Denise René, París, Francia (1961, 1963 1966); Galerie Creuze (1962); Musée d’Art Moderne, París, Francia (1962, 1967); Musée d’Art Moderne de la Ville de París, Francia (1964); Instituto Di Tella, Buenos Aires, Argentina (1966); Grand Palais, París, Francia (1978-1982); Rachel Adler Gallery, Nueva York, EEUU (1990); Museum of Modern Art, Nueva York, EEUU (1993) y The Americas Society, New York, EEUU (2001), entre otras.

Su obra está incluida en colecciones públicas como el Centre Georges Pompidou, el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y el Museo Nacional de Arte Moderno de París, Francia; el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Fundación Torcuato Di Tella y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel; el Museo de Bellas artes de Houston (MFAH) y el Museo de Arte Geométrico y MADI, Dallas, Texas; La fundación Cisneros Fontanals (CIFO), Miami, USA; el Museo Recklinghausen, Recklinghausen, Alemania, entre muchas otras.